(clique no título acima para ver a postagem completa)
Quando a periferia conta sua própria história é arte de primeira...
O SOM DO SABER
Mostrando postagens com marcador #umaartepordia. Mostrar todas as postagens
Mostrando postagens com marcador #umaartepordia. Mostrar todas as postagens
terça-feira, 24 de setembro de 2013
segunda-feira, 23 de setembro de 2013
Uma arte por dia #09
(clique no título acima para ver a postagem completa
Ben Enwonwu
Ben Enwonwu
Enwonwu, Benedict (Ben) Chukwukadibia (1921 – 1994) Artist, Painter Sculptor was born a twin on July 14th, 1921 in Onitsha, Anambra State, Nigeria in to the noble family of Umueze-Aroli in Onitsha. His father was Omenka Odigwe Emeka Enwonua technician and a sculptor who worked for the Royal Nigeria Company and his motherIlom was a successful cloth trader.
He had his secondary education at St. Patrick’s School Ibusa and Government College Ibadan in 1934, where he met Kenneth Murray. He left with Kenneth Murray for Government Umuahia. Ben Enwonwu was said to be the most gifted and technically proficient (Enwonwu foundation), he held an exhibition of his own works in 1938 at Glasgow Empire exhibition. In 1939 he was awarded a prize and bronze medal by International Business Machines (IBM). He had an exhibition of his painting and wood carvings December 31st – January 15th 1944 in London during which he met Mr. L. N. Hartford a director of Shell West Africa who helped secure a joint scholarship with Shell and the British Council that made it possible for Enwonwu to return to Britain to study art in England. He started at Ruskin School of Art in Oxford and went on to the prestigious Slade School of Fine Art University London, 1944 – 1947, he also attended Goldsmith College. He graduated from Slade with a first Class honors diploma in Sculpture. After graduation from Slade he enrolled at the University of London post graduate studies in Anthropology. In 1948 he graduated from the University of London and became a fellow of the Royal Anthropological Institute of Great Britain and Ireland and was elected to the Royal Society of British Artists.
In 1948 Ben Enwonwu returned to Nigeria and worked as an Artist Adviser to the Federal Government, he was said to have painted one of his famous works, Monotony that was acquired for the Bishop Olter Art Collection; he has become known internationally, he is described as the most renowned Nigerian Artist of the 20th Century. In 1956 he became even more famous when he was commissioned by the British Government to do a portrait of Queen Elizabeth II. A copy of the bronze sculpture stands at the parliament Building in Lagos, while the original resides in the Queens Art Collection.
Emily Robson a known art critic said that his style can be considered African modernist. His work she states offers a blend of various styles and elements of traditional West African masks into simplified body emphasis on the face, but also toned – down expression from Europe, he was able to move between cultures as he was trained professionally by the British and had his innate African skills as a sculptor.
He continued to be very productive in wood, paint and bronze, had numerous exhibitions, December 1949, African Dancers and Agbogho – Mmuo, the Onitsha masquerades Exhibition at the Lagos Center, 1950 Berkely Galleries, London, July 13th – 14th August Gallery Apollinaire, Milan, became a member of preserve African Cultural Organization. In 1954 he became a member of the most distinguished order of the British Empire (OBE). Hewas commissioned by the Federal Government to produce a sculpture that would symbolize the new Nigerian nation for the National Museum, the resulting was the sculpture ‘Anyanwu’ (Sunshine in Igbo) remains one of his most visible works.
He held several positions in the world of Art both in Nigeria and abroad, 1966 – 1968 he became a fellow of the University of Lagos, he was appointed Art supervisor to the federal government a position he held till 1971. In 1975 he was awarded one of the highest national honors , Officer of the National Order of the Republic. In 1977 he was appointed Art Consultant to the International Secretariat, second world Black and African Festival of Art and Culture. He continued to produce public sculpture for Nigerian entities.
He was commissioned to create works for public buildings, The Drummer Boy was produced for the Nigeria Telecommunications Headquarters in Lagos, He was commissioned in 1964 to produce a sculpture for the Nigerian Electric Board’s new building in Marina, and the resulting sculpture is Sango, Yoruba god of thunder which remains one of his most famous public sculptures. He also continued to hold exhibitions, in 1985 a major retrospective exhibition was organized by Royal Society of Arts at the Mall Galleries, London, October 4th – 11th, he moved the same exhibition to Lagos at the home of the British Higher Commission in Lagos in 1987, he held his last major exhibition at the National Museum in Lagos in 1990.
Ben Enwonwu was married twice and had nine children, four sons and five daughters. He died quietly in his sleep on February 4th, 1994 at his home in Lagos. Ben Enwonwu will be remembered as one of the most prominent African Artist whose work inspire younger Artist and who help create an international visibility of African Art in all media, wood bronze and painting.
By Dr. Elsie Okobi (2010)
sobre arte africana moderna: http://www.artafrica.info/html/artigotrimestre/2/artigo2.php
domingo, 22 de setembro de 2013
Uma arte por dia #08
(clique no título acima para ver a postagem completa)
Negahamburger - ACEITE SEU CORPO
Facebook: https://www.facebook.com/olanegahamburguer
Negahamburger - ACEITE SEU CORPO
Facebook: https://www.facebook.com/olanegahamburguer
sábado, 21 de setembro de 2013
Uma arte por dia #07
(clique no título acima para ver a postagem completa)
Lua Adversa - Cecília Meireles no livro Viagem Vaga Música
Tenho fases, como a lua
Fases de andar escondida,
fases de vir para a rua...
Perdição da minha vida!
Perdição da vida minha!
Tenho fases de ser tua,
tenho outras de ser sozinha.
Fases que vão e vêm,
no secreto calendário
que um astrólogo arbitrário
inventou para meu uso.
E roda a melancolia
seu interminável fuso!
Não me encontro com ninguém
(tenho fases como a lua...)
No dia de alguém ser meu
não é dia de eu ser sua...
E, quando chega esse dia,
o outro desapareceu..
Cecília
mais sobre ela: http://pt.wikipedia.org/wiki/Cec%C3%ADlia_Meireles
Lua Adversa - Cecília Meireles no livro Viagem Vaga Música
Tenho fases, como a luaFases de andar escondida,
fases de vir para a rua...
Perdição da minha vida!
Perdição da vida minha!
Tenho fases de ser tua,
tenho outras de ser sozinha.
Fases que vão e vêm,
no secreto calendário
que um astrólogo arbitrário
inventou para meu uso.
E roda a melancolia
seu interminável fuso!
Não me encontro com ninguém
(tenho fases como a lua...)
No dia de alguém ser meu
não é dia de eu ser sua...
E, quando chega esse dia,
o outro desapareceu..
Cecília
mais sobre ela: http://pt.wikipedia.org/wiki/Cec%C3%ADlia_Meireles
sexta-feira, 20 de setembro de 2013
Uma arte por dia #06
(clique no título acima para ver a postagem completa)
Esse filme inteiro é uma obra de arte, das mais lindas.
E essa cena, especificamente, toca.
Agora, esta outra, é uma das coisas mais poéticas que já vi no cinema.
Esse filme inteiro é uma obra de arte, das mais lindas.
E essa cena, especificamente, toca.
Agora, esta outra, é uma das coisas mais poéticas que já vi no cinema.
quinta-feira, 19 de setembro de 2013
Uma arte por dia #05
(clique no título acima para ver a postagem completa)
The name "Moonlight Sonata" has its origins in remarks by
the German music critic and poet Ludwig Rellstab. In 1832,
five years after Beethoven's death, Rellstab likened the effect
of the first movement to that of moonlight shining
upon Lake Lucerne.[4] Within ten years, the name "Moonlight
Sonata" ("Mondscheinsonate" in German) was being used in
German[5] and English[6] publications. Later in the nineteenth
century, the sonata was universally known by that name.[7]
Many critics have objected to the subjective, Romantic
nature of the title "Moonlight", which has at times been
called "a misleading approach to a movement with almost
the character of a funeral march"[8] and "absurd".[9] Other
critics have approved of the sobriquet, finding it
evocative[10] or in line with their own associations with the
work.[11]Gramophone founder Compton Mackenzie found
the title "harmless", remarking that "it is silly for austere
critics to work themselves up into a state of almost hysterical
rage with poor Rellstab", and adding, "what these austere
critics fail to grasp is that unless the general public had
responded to the suggestion of moonlight in this music
Rellstab's remark would long ago have been forgotten."[12]
Beethoven.
(de arrepiar!)
The first edition of the score is headed Sonata quasi una
fantasia, a title this work shares with its companion
piece, Op. 27, No. 1.[2] Grove Music Online translates the
Italian title as "sonata in the manner of
a fantasy".[3] (Directly translated "sonata almost a fantasy").
fantasia, a title this work shares with its companion
piece, Op. 27, No. 1.[2] Grove Music Online translates the
Italian title as "sonata in the manner of
a fantasy".[3] (Directly translated "sonata almost a fantasy").
The name "Moonlight Sonata" has its origins in remarks by
the German music critic and poet Ludwig Rellstab. In 1832,
five years after Beethoven's death, Rellstab likened the effect
of the first movement to that of moonlight shining
upon Lake Lucerne.[4] Within ten years, the name "Moonlight
Sonata" ("Mondscheinsonate" in German) was being used in
German[5] and English[6] publications. Later in the nineteenth
century, the sonata was universally known by that name.[7]
Many critics have objected to the subjective, Romantic
nature of the title "Moonlight", which has at times been
called "a misleading approach to a movement with almost
the character of a funeral march"[8] and "absurd".[9] Other
critics have approved of the sobriquet, finding it
evocative[10] or in line with their own associations with the
work.[11]Gramophone founder Compton Mackenzie found
the title "harmless", remarking that "it is silly for austere
critics to work themselves up into a state of almost hysterical
rage with poor Rellstab", and adding, "what these austere
critics fail to grasp is that unless the general public had
responded to the suggestion of moonlight in this music
Rellstab's remark would long ago have been forgotten."[12]
Uma arte por dia #04
(clique no título acima para ver a postagem completa)
Desta vez não é uma obra, é uma artista:
CACILDA BECKER!
Desta vez não é uma obra, é uma artista:
CACILDA BECKER!
Cacilda Becker (1921-1969)
Quando Cacilda Becker morreu, em 1969, no intervalo de uma peça que representava para estudantes, em São Paulo, a classe teatral se declarou órfã. Carlos Drummond de Andrade expressou seu luto no poema Atriz, e, em um só verso, retrata Cacilda por inteiro: “Era uma pessoa e era um teatro”.
Cacilda tinha 48 anos, 30 como atriz, e já era um mito, considerada a primeira grande diva do teatro brasileiro, imortalizada pela paixão com que vivia sua arte. Em 1994, no dia em que se completavam 25 anos de sua morte, a Cia. De Teatro Uzina Uzona, celebrou a vida da atriz encenando a peça Cacilda!!!, do ator e diretor José Celso Martinez Corrêa.
Cacilda tinha 48 anos, 30 como atriz, e já era um mito, considerada a primeira grande diva do teatro brasileiro, imortalizada pela paixão com que vivia sua arte. Em 1994, no dia em que se completavam 25 anos de sua morte, a Cia. De Teatro Uzina Uzona, celebrou a vida da atriz encenando a peça Cacilda!!!, do ator e diretor José Celso Martinez Corrêa.
Cacilda Becker Yáconis (é irmã da também grande atriz Cleyde Yáconis) nasceu em Pirassununga, interior de São Paulo, em abril de 1921. Iniciou-se na arte como bailarina, tentou ser pintora. A convite de uma amiga, foi para o Rio de Janeiro e estreou dirigida por Paschoal Carlos Magno em um espetáculo do Teatro do Estudante Brasileiro. “Quando encontrei o teatro, foi como se tivesse encontrado todas as artes que desejaria conhecer”, lembrou a atriz muitos anos depois.
Em 1942 voltou para a terra natal, para cuidar da mãe doente e lá ficou dois anos, trabalhando numa companhia de seguros. Nova passagem pelo Rio e a volta definitiva a São Paulo, onde deu aulas sobre comédia, na recém-fundada Escola de Arte Dramática. Integrou o lendário Teatro Brasileiro de Comédia (TBC), com Ziembienski e Adolfo Celi, interpretando papéis em peças tão diferentes quando Antígona e A dama das camélias, mas foi com um papel masculino, em Pega Fogo, de Jules Renard, que se transformou em uma paixão dos que amam o teatro, encantando o público, avassalando atores e diretores, sob aplausos constantes da crítica.
Nove anos depois, funda sua própria companhia, o Teatro Cacilda Becker, junto com o marido, o ator Walmor Chagas, com quem teve uma filha, Maria Clara. No TCB, Cacilda interpretou peças de Ionesco, Dürrenmatt, Albee e Becket, introduzindo estes autores nos palcos brasileiros. No livro Uma atriz: Cacilda Becker, de Nanci Fernandes e Maria Theresa Vargas, Ziembinski relembra o alívio que foi para a atriz representar na sua própria companhia, livre de qualquer interferência ou compromisso que não fosse com o teatro.
Cacilda passou por períodos tão duros na vida que, na adolescência, roubou um pé de verdura em uma horta e, por má sorte, feriu o pé, contraindo tétano. O ferimento passou, mas a lembrança amarga ficou: “A fome é o que me dói até hoje”.
Em 1942 voltou para a terra natal, para cuidar da mãe doente e lá ficou dois anos, trabalhando numa companhia de seguros. Nova passagem pelo Rio e a volta definitiva a São Paulo, onde deu aulas sobre comédia, na recém-fundada Escola de Arte Dramática. Integrou o lendário Teatro Brasileiro de Comédia (TBC), com Ziembienski e Adolfo Celi, interpretando papéis em peças tão diferentes quando Antígona e A dama das camélias, mas foi com um papel masculino, em Pega Fogo, de Jules Renard, que se transformou em uma paixão dos que amam o teatro, encantando o público, avassalando atores e diretores, sob aplausos constantes da crítica.
Nove anos depois, funda sua própria companhia, o Teatro Cacilda Becker, junto com o marido, o ator Walmor Chagas, com quem teve uma filha, Maria Clara. No TCB, Cacilda interpretou peças de Ionesco, Dürrenmatt, Albee e Becket, introduzindo estes autores nos palcos brasileiros. No livro Uma atriz: Cacilda Becker, de Nanci Fernandes e Maria Theresa Vargas, Ziembinski relembra o alívio que foi para a atriz representar na sua própria companhia, livre de qualquer interferência ou compromisso que não fosse com o teatro.
Cacilda passou por períodos tão duros na vida que, na adolescência, roubou um pé de verdura em uma horta e, por má sorte, feriu o pé, contraindo tétano. O ferimento passou, mas a lembrança amarga ficou: “A fome é o que me dói até hoje”.
Fonte:
Livro 100 Brasileiros (2004)
Livro 100 Brasileiros (2004)
terça-feira, 17 de setembro de 2013
Uma arte por dia #03
(clique no título acima para ver a postagem completa)
Elenco internacional: Ditta Miranda Jasjfi e Fernando Suels, em peça de 2003
A dançarina Pina Bausch rompeu radicalmente com o balé clássico e se voltou contra a tradição da Modern Dance. Essa mulher virou todo o mundo da dança de pernas para o alto em seus 40 anos de trabalho. Teatro-dança é como a maioria denomina o que ela faz. Pina Bausch, no entanto, se refere a uma "abordagem psicológica individual". Cada peça é um novo apelo para que o espectador "confie em si mesmo, se enxergue e se sinta".
Essen: Escola Superior Folkwang para Música, Teatro e Dança
Quando Pina Bausch se recorda desse período, fala de uma "época excitante". Em Kurt Joos, ela encontrou ao mesmo tempo o "legendário renovador da dança expressiva", um mentor e uma pessoa de confiança. Além disso, especialmente inspiradora era a atmosfera criativa da escola, que até hoje une sob o mesmo teto todas as artes: teatro, música, dança, gravura e pintura. "A gente convivia, enxergava e escutava os demais, aprendia um com o outro", lembra Pina.
Companhia de teatro-dança de Wuppertal
A ousadia de vanguarda da jovem coreógrafa chocou inicialmente grande parte do público. O que ocorria no palco muitas vezes não era aquilo que constava do programa impresso. Os bailarinos não necessariamente dançavam, mas, no mais, pareciam fazer de tudo... O público expressava sua indignação vaiando ou retirando-se do recinto, sem esquecer de bater a porta. Até telefonemas anônimos com ameaças ela chegou a receber.
Companhia de teatro-dança de Wuppertal
"Cada peça é diferente, mas profundamente ligada a mim", descreve Pina Bausch sua acepção de teatro-dança. Seu trabalho combina tristeza e desespero calado com "a expressão calorosa do amor à vida", descreveu uma crítica. "Os temas permanecem os mesmos; o que muda são as cores", explica a coreógrafa. Ao narrar, ela se mantém fiel a determinados princípios: ações simultâneas, marcação das diagonais do palco, repetições propositais e suspense dramático por meio de contraposições e progressões.
Ela revolucionou o mundo da dança. O “principal produto alemão de exportação“ dança e coreografa em todos os continentes. Mesmo assim, Pina Bausch – altamente talentosa e premiada – se mantém fiel à cidade de Wuppertal.
Pina Bausch: para que o espectador se reconheça
Os dançarinos em cena não dançam. Correm. Gritam e riem, contam piadas. Alguém derrama água e joga terra no chão do palco. Talvez até cresça grama ali. Piruetas velozes e pernas esticadas para o alto são coisas inexistentes numa encenação dessas. Mas seres humanos – pessoas vivas com medos, amor, tristeza e fúria. "O que me interessa não é como as pessoas se movem, mas sim o que as move”, resume Pina Bausch o propósito de seu trabalho. A artista que se veste permanentemente de preto e calça número 41 é considerada uma das coreógrafas mais importantes do século 20.
No princípio era o nada
Elenco internacional: Ditta Miranda Jasjfi e Fernando Suels, em peça de 2003
Embora a coreógrafa já tenha encenado mais de 30 peças e criado uma nova linhagem da dança, seu trabalho não se torna rotineiro e sempre está ligado a um certo risco. O medo não cessa: medo de fracassar, medo de não terminar a tempo. Afinal, "no princípio era o nada".
Sua carreira começou com aulas de balé. Nascida em 1940, em Solingen, filha de um dono de restaurante, Phillipine Bausch gostava de passar seu tempo debaixo da mesa. Ela costumava passar horas a fio no restaurante dos pais observando os fregueses. "Eu não queria ir para a cama."
Desde cedo se entusiasmou pela dança. As primeiras apresentações lúdicas com o balé infantil ocorreram em Wuppertal e Essen. Com 15 anos, iniciou sua formação de dança na Folkwangschule de Essen, fundada pelo célebre coreógrafo Kurt Joos.
Essen: Escola Superior Folkwang para Música, Teatro e Dança
Em seus trabalhos tardios, ela viria a conjugar inúmeros elementos de dança, música, linguagem e teatro. Mas, antes de mais nada, a estudante concluiu o curso de Dança e Pedagogia em Dança no ano de 1958. E viajou imediatamente depois aos Estados Unidos, após ter recebido um prêmio de distinção e uma bolsa de estudos da Folkwang.
"Special student" Pina Bausch
"Não me senti nem um pouco sozinha em Nova York", conta ela. Afinal, a "special student" Pina Bausch mal teria tempo para tal. Ela estudou com Antony Tudor e José Limón, dançou na Juillard School of Music e na Metropolitan Opera.
A pedido de Kurt Joos, a jovem dançarina retornou à Alemanha em 1962. E começou a dançar como solista no recém-fundado balé da Folkwang, apresentando-se em Amsterdã, Hamburgo, Londres e no Festival de Salzburgo. Na época, a dançarina ainda não pensava em encenar, embora seus primeiros trabalhos como coreógrafa viessem a surgir alguns anos depois.
Foi com uma bota de sete léguas que Pina Bausch avançou de suas primeiras encenações bem-sucedidas de teatro-dança até o posto de coreógrafa e diretora do corpo de baile de Wuppertal. Após ter recebido o primeiro prêmio num concurso de coreografia de Colônia, ela assumiu a direção do estúdio de dança da Folkwang. Bausch tinha 33 anos quando foi contratada para dirigir o Balé do Teatro de Wuppertal, em 1973.
Companhia de teatro-dança de Wuppertal
A ruptura de tradições foi uma tarefa árdua, sobretudo num teatro subvencionado pelo Estado. Mas Pina Bausch não se deixou dissuadir de sua concepção de dança, para a qual não existem instruções de uso. Sua versão de Iphigenie auf Tauris (Ifigênia em Táuris), de 1974, foi recebida pela crítica como um dos acontecimentos mais importantes da temporada de dança.
Cavaleira da Legião de Honra
Com uma montagem de Brecht e Weill, Pina Bausch rompeu definitivamente com todas as formas tradicionais do teatro-dança em 1976. Ela se voltou para uma dança cênica obstinada e contundente, diretamente ligada ao teatro falado. Colagens de música popular, clássica, free jazz e enredos fragmentários culminaram numa nova forma de encenação, caracterizada por ações paralelas, contraposições estéticas e uma linguagem corporal incomum para a época.
Sua companhia se tornou a principal representante da dança da Alemanha Ocidental no exterior. Turnês em todos os continentes foram e continuam tendo uma recepção altamente entusiástica. Pina Bausch começou a acumular prêmios de todas as espécies, como o Prêmio Europeu de Teatro, oPraemium Imperiale japonês, a Cruz de Mérito do governo alemão, a condecoração da Legião de Honra, apenas para citar alguns.
Sua comunidade internacional de fãs continua crescendo e se reúne em Wuppertal, o novo local de peregrinação do teatro-dança. Nos palcos internacionais, a companhia de Bausch já se apresentou em co-produções com universidades de dança dos Estados Unidos, do Hong Kong Arts Festival, da Expo 1998 em Portugal, do Theatre de la Ville de Paris e muitos outros.
Cada montagem é única
Companhia de teatro-dança de Wuppertal
Apesar dos êxitos das últimas décadas, a coreógrafa e dançarina prossegue seu trabalho incansavelmente. "A única coisa a fazer é realizar o trabalho junto com os dançarinos, de modo que cada apresentação seja um prazer. E isso tem que ser retrabalhado todas as noites."
O Mito
Na mitologia grega, Orfeu era poeta e médico, filho da musa Calíope e de Apolo ou Eagro, rei da Trácia1 . Era o poeta mais talentoso que já viveu. Quando tocava sua lira, os pássaros paravam de voar para escutar e os animais selvagens perdiam o medo. As árvores se curvavam para pegar os sons no vento. Ganhou a lira de Apolo.
Foi um dos cinquenta homens - os argonautas - que atenderam ao chamado de Jasão para buscar o Tosão de ouro. Acalmava as brigas que aconteciam no navio com sua lira. Durante a viagem de volta, Orfeu salvou os outros tripulantes quando seu canto silenciou as sereias, responsáveis pelos naufrágios de inúmeras embarcações.
Orfeu apaixonou-se por Eurídice e casou-se com ela. Mas Eurídice era tão bonita que, pouco tempo depois do casamento, atraiu um apicultor chamado Aristeu. Quando ela recusou suas atenções, ele a perseguiu. Tentando escapar, ela tropeçou em uma serpente que a mordeu e a matou. Por causa disso, as ninfas, companheiras de Eurídice, fizeram todas as suas abelhas morrerem.
Orfeu ficou transtornado de tristeza. Levando sua lira, foi até o mundo inferior, para tentar trazê-la de volta. A canção pungente e emocionada de sua lira convenceu o barqueiro Caronte a levá-lo vivo pelo rio Estige. A canção da lira adormeceu Cérbero, o cão de três cabeças que vigiava os portões. Seu tom carinhoso aliviou os tormentos dos condenados. Encontrou muitos monstros durante sua jornada, e os encantou com seu canto.
segunda-feira, 16 de setembro de 2013
Uma arte por dia #2
(clique no título acima para ver a postagem completa)
Joie de Vivre – Matisse (1905)
MATISSE
Joie de Vivre – Matisse (1905)
MATISSE
| Naissance | 31 décembre 1869 Le Cateau-Cambrésis (France) |
|---|---|
| Décès | 3 novembre 1954 (à 84 ans) Nice (France) |
En 1896, Matisse expose pour la première fois au « Salon des
Cent » et au Salon de la Société nationale des beaux-
arts dont il devient membre associé sur proposition
de Pierre
Puvis de Chavannes. Cette fonction lui permet notamment
d'exposer sans passer par un jury. Il passe l'été à Belle-Île-
en-Mer et rencontre l'australien John Peter Russell qui
l'introduit auprès d'Auguste Rodin et Camille Pissarro. Il
commence à s'intéresser à la peinture impressionniste qu'il
découvre en 1897 au musée du Luxembourg.
En 1894, naît sa fille Marguerite (d'un de ses modèles
nommé Caroline Joblau). C'est à l'occasion de son voyage de
noces que Matisse débarque en Corse le 8 février 1898
accompagné de sa jeune épouse Amélie Parayre ; née en
1872, elle est âgée de 25 ans ; ils auront deux enfants, Jean en
1899 et Pierre en 1900. Au cours de son séjour à Ajaccio qui
dure jusqu'en juillet, il habite dans une villa dont il a loué le
dernier étage meublé à un certain de la Rocca. Henri Matisse
peint à Ajaccio une cinquantaine de toiles dont « le mur
rose » qui représente l'arrière de l'hospice Eugénie vu depuis
la villa "de la Rocca". Il passe une semaine à Londres où, sur
les conseils de Pissarro, il découvre la peinture de Joseph
Mallord William Turner. En séjour à Toulouse, il
expérimente la méthode de Turner. À partir de 1900, Matisse
travaille à l'Académie de la Grande Chaumière sous la
direction d'Antoine Bourdelle et fréquente également l'atelier
d'Eugène Carrière. Il y fait la connaissance d'André Derain et
de Jean Puy. Derain qui lui présente Maurice de Vlaminck. Il
expose au Salon des indépendants (1901) et participe à la
première édition du Salon d'automne (1903). Il expose en
1904 chez Ambroise Vollard.
Au début de 1905, il présente une importante exposition
particulière chez Bernheim-Jeune et participe au Salon des
indépendants. L'été de 1905, il séjourne à Collioure en
compagnie de Derain. Au Salon d'automne de 1905,
l'accrochage des œuvres de Matisse, Albert
Marquet, Vlaminck, Derain et Kees van Dongen provoque un
scandale par les couleurs pures et violentes posées en aplat
sur leurs toiles. À la vue de ces tableaux regroupés dans une
même salle, le critique Louis Vauxcelles compare l'endroit à
une « cage aux fauves ». L'appellation de « fauve » est
aussitôt adoptée et revendiquée par les peintres eux-mêmes.
Cette période marque également la reconnaissance de son
travail, lui permettant enfin une relative aisance matérielle.
Matisse devient le chef de file du fauvisme. La même année,
il rencontre Edmond-Marie Poullain.
Il entreprend de nombreux voyages qui seront autant de
sources d'inspiration : Algérie, Italie, Allemagne, Maroc,
Russie, Espagne, États-Unis et Tahiti.
En 1908, Matisse ouvre une académie libre (au couvent des
Oiseaux, puis à l'hôtel de Biron) où se pressent les étudiants
étrangers. L'académie ferme en 1911.
Entre 1908 et 1912, ses œuvres sont exposées à Moscou,
Berlin, Munich et Londres ; Matisse et Amélie reviendront à
Ajaccio en décembre 1912. En 1913, Matisse est exposé à
l’Armory Showde New York à côté d'œuvres de Marcel
Duchamp et Francis Picabia, comme autant de représentants
de l'art le plus moderne qui soit.
Dès le déclenchement de la Première
Guerre mondiale, il quitte Collioure
qu'il fréquentait régulièrement
depuis 1905. Après avoir passé une
partie de l'hiver 1916-1917 à Nice,
Matisse décide de rester plus
longuement sur la Côte d'Azur, qu'il
considère comme un paradis, et dont
il recherche la transcription dans ses
toiles. Durant cette période, Matisse
rencontre le peintre japonais Yoshio
Aoyama, qui vivait aussi à Nice, dans
le quartier de Cimiez, et qui devient
son disciple. Selon Matisse, Aoyama
était un maître de la couleur, créant
le terme Aoyama blue. En 1919, il reçoit la commande d'Igor
Stravinski et Serge Diaghilev pour dessiner les costumes et
les décors du ballet Le Chant du rossignol présenté
à Londres.
En 1925, Matisse est nommé chevalier de la Légion
d'honneur.
À New York, on organise une rétrospective (1929). Pendant
son séjour aux États-Unis, Albert Barnes, le collectionneur,
lui commande une œuvre monumentale pour sa fondation à
Philadelphie. À son retour à Nice, dans l'atelier de la
rue Désiré Niel loué spécialement pour cette réalisation,
Matisse s'attellera à la Danse dont il réalisera de 1930 à 1933,
trois versions en raison d'erreurs de gabarit. La première
version inachevée a été retrouvée après sa mort dans son
appartement à Nice. Elle est exposée en présentation
définitive avec la deuxième version, la Danse de Paris (1037
× 450 cm), dans la salle Matisse du musée d'art moderne de
la ville de Paris. La dernière version dite la Danse de
Mérion a été installée par Matisse lui-même, en mai 1933, à
la fondation Barnes de Philadelphie. C'est au décours de ce
travail que Matisse inventa les « gouaches découpées ».
Il travaille à l'illustration du roman de James Joyce, Ulysse,
et aux décors et aux costumes de Rouge et noir pour les
Ballets russes de Monte-Carlo (1934-1938).
En 1941, atteint d'un cancer, il est hospitalisé à la clinique du
Parc de Lyon. Ses médecins lui donnent six mois à vivre. S'il
ne peut plus voyager, il utilise alors les étoffes ramenées de
ses voyages pour habiller ses modèles originaires du monde
entier. Son infirmière, Monique Bourgeois accepte d'être son
modèle. Matisse utilise la technique des gouaches découpées
et commence la série Jazz.
Il s'installe à Vence et renoue une amitié épistolaire assidue
avec le dessinateur et écrivain André Rouveyre, connu à
l'atelier de Gustave Moreau.
En avril 1944, Marguerite Matisse, sa fille, ainsi qu’Amélie
son épouse, sont arrêtées par la Gestapo, pour faits
de résistance. Madame Amélie Matisse reste six mois en
prison, tandis que Marguerite Matisse, fille du peintre,
parvient à s'enfuir à Belfort du train de déportation qui
l'emmenait dans un camp. Elle est recueillie dans un premier
temps par la famille de Léon Delarbre, peintre résistant et
déporté, connu pour avoir réussi à ramener avec lui des
dessins réalisés dans les camps d'extermination (musée de la
Résistance à Besançon). Marguerite Matisse est ensuite prise
en charge par la Croix-Rouge qui la cache au sein de la
famille Bruno de Giromagny, et libérée le 6 octobre 1945.
Sous le coup d'une émotion intense, Henri Matisse dessine
de nombreux portraits de sa fille dont le dernier de la série
montre un visage enfin apaisé.
En 1945, une grande rétrospective est organisée au Salon
d'Automne. Il réalise les cartons de tapisserie Polynésie, le
Ciel et Polynésie, la Mer (1946) et commence à travailler à
partir de 1949 au décor de la chapelle du Rosaire de Vence6.
En 1952 a lieu l'inauguration du musée Matisse du Cateau-
Cambrésis, sa ville natale.
Il réalise la gouache découpée La Tristesse du roi, tableau
« plus proche même de la peinture classique que Matisse ne
l'a jamais été..., son dernier autoportrait..., le portrait d'un
vieillard ».
Henri Matisse meurt le 3 novembre 1954 à Nice et est enterré
dans cette ville, au cimetière de Cimiez.
Son fils, Pierre Matisse fut un important et influent
marchand d'art installé au Fuller Building de New York.
En 1963, le musée Matisse de Nice ouvre ses portes à son
tour.
Connu et reconnu de son vivant, la cote de Matisse n'a cessé
depuis de monter ainsi que le montre en 2009 la valeur
historique de 32 millions d'euros atteinte par Les Coucous,
tapis bleu et rose, œuvre mise en vente dans le cadre de la
vente Bergé/Yves Saint Laurent à Paris.
Assinar:
Postagens (Atom)